从事古筝教学，我更“青睐”高阶学生。
他们已经度过了初期扫盲阶段，对乐器有一定驾驭能力，在沟通过程中更容易互相理解。当然，挑战也很多，高阶教学不再是完成表面符号习得这么简单，需要深入到音乐背后去，牵涉的东西也更多元。我享受这个复杂的过程，我相信我的学生也是，因为我们共同走在越来越好的路上。
我对高阶学生的定义是，9级或演奏级水平及以上，但尚未达专业水准，也就是专业与业余高水准的中间人群。如果考过10级还想继续学，自然是琴艺有更高的音乐要求，不只满足于完整和流畅的演奏。
1.区分两种类型的高阶学生
我碰到过两类高阶学生，一种是考过10级，但还存在明显技术漏洞；一种是基本功扎实，乐感良好，但在更精准、更细腻表达音乐方面遇到障碍。
遇到第一种学生时，如果TA考过10级，还想继续学，那说明接下来的目标不再是考试，而是真正想把琴弹好。遇到这样的学生，我会很开心，因为TA是真正热爱古筝。如果基本功打得不够牢，10级作品的难度实际上超出能力范围，如果不解决根源上的技术问题，很难再提高。我可能会选择一些稍简单的作品，比如7、8级水平的乐曲，让TA重新巩固。
遇到第二种学生，我可能更开心，因为TA不仅喜欢古筝，还有一定天分。在教学计划中，我会布置稍稍超出ta水平的作品，让其尽力一跃，够到更高水准。因为在十级以及更难的作品中，作曲家除去为作品安排有难度的技巧，还会赋予各个段落不同的情感。在教学过程中，这些多元、复杂的情感，能够帮助学生学会区分不同表达，比如：哀伤和悲痛是不一样的，愉悦也可以分为偷着乐和开怀大笑，这些细腻的情感划分，可以帮助TA更好地体会情感。
2.怎么教、怎么学
有此认识之后，关于如何教、怎么学，则是需要专门讨论的另一个问题。
首先，我们要明白，古筝不仅仅是手指运动，它是一个全身运动。尽管直接触弦发声的是手指，但身体的其他部位间接为演奏提供帮助。我们以离手指最近的手臂举例，小臂和大臂的运动有所不同，尤其在低音区发力的时候，仅仅小臂发力是不够的，大臂带动小臂发力会让声音更加沉稳厚重。再比如，上半身的起伏大多数人都可做到，但要注意幅度，与音乐的需要相匹配，不能为了摇摆而摇摆，每次动作要有清楚的目的。在音乐相对平稳的状态时，不要过多摆动破坏音乐。而手臂需要爆发时，身体要帮助手臂，将它送出去。最后，尤其要注意腿部，虽然腿部离手指最远，但它也是辅助身体发力的重要部分。当你需要在演奏中倾尽全力时，腿部的力量可以提供很好的帮助，它作为身体的支撑，将力量从脚部输送到手上。
不信你回家试一试，从仅用小臂刮奏，到大臂带动刮奏，再到身体帮助刮奏，以及让脚部使劲儿调动全身发力刮奏，这四种发力方式出来的效果是完全不一样的。分清楚不同部位的发力方式，将身体的所有关节打通，收放自如，我们再根据音乐表达需求做出选择就容易多了。
我们再来单独讨论手指触弦。在教学初期，老师不会过多强调触弦的方法、种类和音色区别。随着学习深入，我们开始关注声音好不好听，与作品风格契不契合，触弦的变化可以直接解决一部分问题。比如大家熟悉的《云裳诉》，慢板段“诉说的”、“回忆的”情感更适合用慢触弦、贴弦的弹法来演奏，这时候，如果加上手腕和手臂的支撑缓冲就更好了。在快板段落，我们使用快触弦、离弦的弹法更恰当，每一颗音符都能充满颗粒感，离弦也更易于加速。而在引子中，音乐张力非常大，陕西风格的音乐使用夹弹法会辅助音乐更加浓郁地道。
通过这些例子可以看出，音乐的情感不是虚无缥缈的情愫，也不是乐感好的人可以轻易做到的。
3.“留白”怎么做
音乐的留白部分常常被忽略，它通常出现在演奏之前、段落衔接处、乐曲结尾以及作曲家有意为之的地方。虽然这些地方不用演奏，但它们也应该是有音乐的。
当你准备演奏时，就已经进入音乐状态。这应当成为一种习惯。演奏前的留白，沉静的状态能帮助你进入状态，随着留白带起的情绪，选择缓缓抬手，抑或爆发式的快速出手。而在段落的衔接处，留白就更重要了，前一段的音乐是否真的消逝干净？后一段音乐开始前，内心情感转换是否妥当？一个音的结束，不是在琴弦发生后就结束了，还应考究，它在作品中承担什么角色，以及你赋予它什么角色。当你觉得段落衔接不畅，前言不搭后语，那多半是这里的留白出问题了。曲终也是如此，强收也好，弱收也罢，让最后一个余音清晰地走完，才是真正的结束。
还有一种是作曲家刻意留白。通常在引子、华彩段落中出现。节奏自由，每个音长短不一，这給演奏者留下了自主发挥空间，取决于演奏张力和对作品的安排。音与音之间可以被拉的很长，这个留白的时间，也是有音乐存在的，并非弃之不管。就像有的摄影作品，画面大部分是空白的，只在局部存在一个物体。但正是这种大面积留白，才反衬了这幅作品的张力，给予强烈的视觉冲击。
如前所述，我主要从技术角度谈论如何帮助学生更好的表达自己。但音乐最难以捉摸的部分——情感从哪里来？如何丰富自己的情感？也令许多人苦恼。
我将在下一篇文章中继续讨论。